现代主义之父

看完莫奈，我们再来聊聊当年跟他一起参加“印象派第一次展览”的另一位大师，保罗•塞尚。塞尚被称作“现代主义之父”，因为他是第一个用“双眼”作画的人。你可能会问，这有什么，画画不都是用两只眼睛吗？作者解释说，塞尚以前的艺术家，比如文艺复兴时期的达•芬奇，他们作画都必须遵守科学、精确的透视原则，这就好像只通过一个固定的单镜头，对事物进行观察。但是在塞尚生活的19世纪，照相技术已经出现了，这对绘画艺术是个非常大的冲击：艺术家用画笔描绘得再精确，也不如按一下相机快门，记录得又快又准确。

塞尚就觉得，再遵守以前那种精确的科学透视，已经没有意义了。那绘画艺术是不是就要消亡了呢？也不是，塞尚打了个比方，如果10台相机面对同一片风景拍照，拍出来的10张照片几乎是一模一样的，但如果是10个人面对同一片风景作画，那么每幅画都是独一无二的。因为每个人关注的重点不一样，看到的“客观事实”也都不是一样的。塞尚提出了“双眼视角法”，他认为我们人类是有双眼视觉的，左右眼记录的信息其实不完全相同，而且从实际情况来看，画画的时候，我们难免会伸伸脖子、探探脑袋，所以我们在描绘一个物体的时候，起码应该从两个视角出发去观察。

塞尚在作品中经常使用这种“双眼视角法”，来突出画面中想要突出的物体。比如，他画一个平放水果的盘子，观察视角是从盘子侧面出发的，按科学透视的原则，盘子在画面中就应该是侧面那窄窄的一条。但是塞尚会故意把盘子朝观众再倾斜20度，让盘子里的苹果多露出几个。再比如，他画一望无际的平原和远山，会故意把平原朝我们“立起来”一些，让画面中平原和远山的占比差不多。这样一来，虽然对物体外形的描绘上不那么精确，但整个画面却显得特别充实和谐。所以，作者叮嘱我们，欣赏塞尚的画的时候，千万不要总想着给塞尚挑错，相反，还要着重看他画错的地方，他故意翻转角度、丢失一些外形的准确，就是为了强调给你看的。

总结一下塞尚，塞尚被称作“现代主义之父”，因为他是第一个用“双眼”作画的人。塞尚认为，我们人类是有双眼视觉的，在描绘一个物体的时候，至少应该从两个视角去观察。有时候，他会为了画面的丰满和谐，或者为了突出想要突出的东西，故意改变物体的正确角度。所以在欣赏塞尚作品的时候，不用总想着哪里画错了，反而要看他是怎么画错的。

说完了“光的诗人”莫奈和“现代主义之父”塞尚，我们再来看一位印象派后期的大师，文森特•梵高。在作者眼里，艺术史上没有谁比梵高更特别了。在书中，作者把艺术家分成两类，一类是相对纯粹的艺术家，也可以叫做技术家，我们欣赏他们的艺术的时候，只需要面对作品，不太需要去了解艺术家的个性和具体生活状态。还有一类艺术家，不那么纯粹，他们首先是人，其次才是艺术家，在欣赏这种不太纯粹的艺术家的作品的时候，我们必须先了解这个人。

作者觉得，纯粹的艺术家通过作品再现的是“自然”，这个“自然”指的是客观的人或者风景，而不纯粹的艺术家能通过作品再现艺术，梵高就属于这种不纯粹的艺术家。跟莫奈和塞尚相比，梵高的一生可以说是很悲惨的。梵高比他们生得晚、死得早，只活了短短37年，而且在世的时候，饱受贫困、孤独和精神疾病的折磨，最后在疯狂中开枪自杀。不像莫奈和塞尚，他俩活着的时候，就取得了相当高的艺术成就，获得了艺术界和商业的认可，可以说是名利双收。

更有戏剧性的是，梵高27岁才开始学画画，在生命的最后十年里，画了大概900幅油画和1100幅素描，其中最著名的作品，比如《向日葵》《星夜》，都是他在生命最后两年里创作的，而这些画在当时几乎一幅都没卖出去过。梵高死后，他的作品才慢慢被艺术市场了解和认可。全世界拍卖价格最高的10幅油画里，梵高作品就占两幅。他的作品用色明艳、造型夸张，画面总是洋溢着生命的激情和壮丽，这种独特的表现力，在作者看来，是前无古人，后无来者的。

梵高刚刚学画的时候，创作风格并不是这么明艳夸张的，几乎只用褐色和灰色。1886年，他从荷兰搬到法国，在巴黎接触了大量印象派绘画和日本浮世绘版画，开始尝试用鲜艳的色彩来强调空间关系。两年之后，梵高搬到了法国南部一个叫阿尔勒的地方画画，这是他生命的最后两年，他的精神状态越来越不稳定，著名的“割耳”事件就发生在这段时期，但也是在这个时候，梵高独特的画风越来越成熟了，《星夜》就是这个时期的经典作品。

创作《星夜》的时候，梵高已经住进了精神病院，他用了咱们前面提到的莫奈的“颜色分割法”，也就把颜料从颜料管中挤出来，不经过调和，就直接涂在画布上。在这个基础上，梵高还大量运用撞色，撞色就是相反的颜色，一般人是不敢碰的，但是梵高就能驾驭得特别好，他用蓝色和黄色这组撞色，给星星和月亮画上断断续续、层层叠叠的光晕，让画面格外有张力。另外，梵高还受到浮世绘《神奈川冲浪里》的启发，用漩涡状的巨浪来描绘《星夜》中的星云，让云彩看上去像在高速旋转。这些夸张的变形和强烈的色彩相互叠加，让画面产生一种绚丽奇幻的戏剧效果，带给我们强烈的视觉冲击的同时，也让我们体会到他内心的痛苦和躁动。

总结一下梵高。在作者眼里，没有哪个艺术家能像梵高这样特别。梵高的一生短暂而悲惨，一直饱受贫穷和精神疾病的折磨。他融合了印象派的“颜色分割法”和日本浮世绘的夸张构图，又善于运用撞色，使作品总有一种绚丽奇幻的戏剧表现力。梵高创作了一种前所未有的画风，在带给我们强烈的视觉冲击的同时，也让我们体会到他内心的痛苦和躁动。

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了解现代艺术之父画家塞尚的艺术成就

保罗·塞尚是法国后期印象派的主将，作为现代艺术的先驱，西方现代画家称他为“现代艺术之父”或“现代 之父”，那么你知道现代艺术之父画家塞尚的艺术成就吗?下面是由学习啦小编为你提供的现代艺术之父画家塞尚的艺术成就，希望能帮助到你。

上最伟大的画家之一，他是传统艺术和现代艺术的分水岭，被尊称为“现代艺术之父”。他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成，在创作当中也一直保持着对色彩的特殊应用和对空间的合理构造。这位伟人为后世留下了很多财富，塞尚的艺术成就也非常多。

塞尚的艺术成就之一在于建立了完全不同的理性世界。印象派的画家都反对传统的绘画方式，但是实际上却没有人能够跳出传统的束缚，但是塞尚做到了，他融合了两个派系的特点和自己的想法，创造出能被大家接受的个人风格。尽管只是在细节上稍加改动，但是塞尚真正的突破了传统的目标。他把传统的绘画理念逐渐分割开来，变成各种各样的风格。从单一的画风变成各式各样争奇斗艳的画风，后来出现的许多著名画家，也是从塞尚这里得到的启发。

塞尚的艺术成就还表现在引发了崭新的艺术方向。 历史上把绘画的时期分为是塞尚之前和塞尚之后，可见塞尚对于绘画的卓越贡献。在塞尚之前，画家都是模仿 或者再现自然，衡量技术的高低就是画得逼真与否，塞尚强调艺术是画家个人的创造，要打破保守的观念，以画家为主体去自由的创作。

塞尚真正的推动了西方绘画史的发展，对此后的绘画艺术产生了巨大的影响。艺术家的天性终于得以释放，艺术也得以发展。

塞尚是一位影响巨大的画家，他独特的风格起初并不被人所理解。塞尚绘画风格充分表现了他的与众不同。他的画风打破了传统，推动了欧美地区绘画风格改革的进程。对于新生代画作的创作具有重要的影响。

塞尚绘画风格的新意具体表现在空间，体积以及色彩的协调方面。作品中的物体像 ，处在一种平静柔和的光线之中却有着色彩感和立体感。他属于印象派，却又不完全符合印象派。他总是能在作品中加入自己的一种独特的思想和态度，使人一眼便能认出这是塞尚的作品。

塞尚早期的作品都以现实中的欲望幻想为前提，画面有一种强烈的色情的感觉，并且给人一种心理上的压迫和紧张感。在一段时间之后，塞尚的画风逐渐改变。用笔粗犷，调子明朗。在毕沙罗的影响之下，塞尚开始怀着一种谦卑的态度认真画作，踏实的关心风景的纯粹性。

塞尚的画作诠释了一种结构的稳固和无时间状态的现象。

之所以说塞尚是一个孤独的绘画者，是因为他长时间里不被人欣赏。不仅在风格上与别人大相径庭，塞尚在创作的时间上也相当长。塞尚画一幅画的时间比别人长很多，他的画作也在沙龙中一次次落选并且遭到其他画家的排挤和嘲笑。可是塞尚却从来没有停止过创作，他凭借自己坚强的毅力将自己独特的风格坚持了下来。塞尚绘画风格与别人大相径庭，却独具自己的风格，他本人也成为了绘画史上不可多得的奇才。

现代主义之父

看完莫奈，我们再来聊聊当年跟他一起参加“印象派第一次展览”的另一位大师，保罗•塞尚。塞尚被称作“现代主义之父”，因为他是第一个用“双眼”作画的人。你可能会问，这有什么，画画不都是用两只眼睛吗？作者解释说，塞尚以前的艺术家，比如文艺复兴时期的达•芬奇，他们作画都必须遵守科学、精确的透视原则，这就好像只通过一个固定的单镜头，对事物进行观察。但是在塞尚生活的19世纪，照相技术已经出现了，这对绘画艺术是个非常大的冲击：艺术家用画笔描绘得再精确，也不如按一下相机快门，记录得又快又准确。

塞尚就觉得，再遵守以前那种精确的科学透视，已经没有意义了。那绘画艺术是不是就要消亡了呢？也不是，塞尚打了个比方，如果10台相机面对同一片风景拍照，拍出来的10张照片几乎是一模一样的，但如果是10个人面对同一片风景作画，那么每幅画都是独一无二的。因为每个人关注的重点不一样，看到的“客观事实”也都不是一样的。塞尚提出了“双眼视角法”，他认为我们人类是有双眼视觉的，左右眼记录的信息其实不完全相同，而且从实际情况来看，画画的时候，我们难免会伸伸脖子、探探脑袋，所以我们在描绘一个物体的时候，起码应该从两个视角出发去观察。

塞尚在作品中经常使用这种“双眼视角法”，来突出画面中想要突出的物体。比如，他画一个平放水果的盘子，观察视角是从盘子侧面出发的，按科学透视的原则，盘子在画面中就应该是侧面那窄窄的一条。但是塞尚会故意把盘子朝观众再倾斜20度，让盘子里的苹果多露出几个。再比如，他画一望无际的平原和远山，会故意把平原朝我们“立起来”一些，让画面中平原和远山的占比差不多。这样一来，虽然对物体外形的描绘上不那么精确，但整个画面却显得特别充实和谐。所以，作者叮嘱我们，欣赏塞尚的画的时候，千万不要总想着给塞尚挑错，相反，还要着重看他画错的地方，他故意翻转角度、丢失一些外形的准确，就是为了强调给你看的。

总结一下塞尚，塞尚被称作“现代主义之父”，因为他是第一个用“双眼”作画的人。塞尚认为，我们人类是有双眼视觉的，在描绘一个物体的时候，至少应该从两个视角去观察。有时候，他会为了画面的丰满和谐，或者为了突出想要突出的东西，故意改变物体的正确角度。所以在欣赏塞尚作品的时候，不用总想着哪里画错了，反而要看他是怎么画错的。

说完了“光的诗人”莫奈和“现代主义之父”塞尚，我们再来看一位印象派后期的大师，文森特•梵高。在作者眼里，艺术史上没有谁比梵高更特别了。在书中，作者把艺术家分成两类，一类是相对纯粹的艺术家，也可以叫做技术家，我们欣赏他们的艺术的时候，只需要面对作品，不太需要去了解艺术家的个性和具体生活状态。还有一类艺术家，不那么纯粹，他们首先是人，其次才是艺术家，在欣赏这种不太纯粹的艺术家的作品的时候，我们必须先了解这个人。

作者觉得，纯粹的艺术家通过作品再现的是“自然”，这个“自然”指的是客观的人或者风景，而不纯粹的艺术家能通过作品再现艺术，梵高就属于这种不纯粹的艺术家。跟莫奈和塞尚相比，梵高的一生可以说是很悲惨的。梵高比他们生得晚、死得早，只活了短短37年，而且在世的时候，饱受贫困、孤独和精神疾病的折磨，最后在疯狂中开枪自杀。不像莫奈和塞尚，他俩活着的时候，就取得了相当高的艺术成就，获得了艺术界和商业的认可，可以说是名利双收。

更有戏剧性的是，梵高27岁才开始学画画，在生命的最后十年里，画了大概900幅油画和1100幅素描，其中最著名的作品，比如《向日葵》《星夜》，都是他在生命最后两年里创作的，而这些画在当时几乎一幅都没卖出去过。梵高死后，他的作品才慢慢被艺术市场了解和认可。全世界拍卖价格最高的10幅油画里，梵高作品就占两幅。他的作品用色明艳、造型夸张，画面总是洋溢着生命的激情和壮丽，这种独特的表现力，在作者看来，是前无古人，后无来者的。

梵高刚刚学画的时候，创作风格并不是这么明艳夸张的，几乎只用褐色和灰色。1886年，他从荷兰搬到法国，在巴黎接触了大量印象派绘画和日本浮世绘版画，开始尝试用鲜艳的色彩来强调空间关系。两年之后，梵高搬到了法国南部一个叫阿尔勒的地方画画，这是他生命的最后两年，他的精神状态越来越不稳定，著名的“割耳”事件就发生在这段时期，但也是在这个时候，梵高独特的画风越来越成熟了，《星夜》就是这个时期的经典作品。

创作《星夜》的时候，梵高已经住进了精神病院，他用了咱们前面提到的莫奈的“颜色分割法”，也就把颜料从颜料管中挤出来，不经过调和，就直接涂在画布上。在这个基础上，梵高还大量运用撞色，撞色就是相反的颜色，一般人是不敢碰的，但是梵高就能驾驭得特别好，他用蓝色和黄色这组撞色，给星星和月亮画上断断续续、层层叠叠的光晕，让画面格外有张力。另外，梵高还受到浮世绘《神奈川冲浪里》的启发，用漩涡状的巨浪来描绘《星夜》中的星云，让云彩看上去像在高速旋转。这些夸张的变形和强烈的色彩相互叠加，让画面产生一种绚丽奇幻的戏剧效果，带给我们强烈的视觉冲击的同时，也让我们体会到他内心的痛苦和躁动。

总结一下梵高。在作者眼里，没有哪个艺术家能像梵高这样特别。梵高的一生短暂而悲惨，一直饱受贫穷和精神疾病的折磨。他融合了印象派的“颜色分割法”和日本浮世绘的夸张构图，又善于运用撞色，使作品总有一种绚丽奇幻的戏剧表现力。梵高创作了一种前所未有的画风，在带给我们强烈的视觉冲击的同时，也让我们体会到他内心的痛苦和躁动。

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